Entrevista a Beatriz Orosco

Entrevista realizada por las alumnas

Liliana Olivera y Carolina Robinik.

entrevista a la Artista Plastica Silvia Goltzman

ENTREVISTA A SILVIA GOLTZMAN POR LAS ALUMNAS: Maria Alcuaz y Monica Mariani

¿Cómo se inició en el arte?

A veces es difícil precisar cuando un proceso de afición, se traduce en profesión.
Al principio, como todas las actividades expresivas en su inicio, en la infancia, estas inclinaciones,  son un juego, son parte de un proceso madurativo de desarrollo humano, a la vez que  un canal de expresión. 
 En la medida que vamos creciendo  y seguimos siendo estimulados en este sentido, podemos tener la capacidad de definirlo como vocación, si se convierten en el mejor modo de decir algo del mundo que nos rodea. Siempre es una elección que luego se va edificando y construyendo a partir de un estimulo primario como casi todas las vocaciones y oficios.
En esa etapa  primaria  tuve una  inclinación marcada hacia lo artístico en todos los órdenes: la música, el canto, la pintura, manifestaciones que desarrolle durante toda mi infancia, de forma natural,  hasta  finalmente de adolescente  abordar la pintura con más profundidad. Desde ese momento   me dedique al estudio y formación que requiere esta disciplina, en forma ininterrumpida desde el momento que la elegí como modo de vida, y como profesión.
No hay un porqué único.  En general son múltiples factores y  hay procesos de crecimiento y de emotividad y sensibilidad  que te llevan a sentir que ese es el camino donde uno puede sentirse  cómodo transitando por la vida.

¿Cuál fue  su formación académica?

Estudie en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredon, en la capital,  durante cinco años, recibiendo el titulo de Profesora Nacional de dibujo y pintura...  Paralelamente, durante los dos últimos años de mi carrera, y a partir del interés que me produjo el observar dentro de la escuela un grupo de compañeros que se destacaban por su conocimiento del oficio., su modo de expresión y su compromiso plástico, es que me acerqué al Taller Sur, del maestro Alberto Delmonte, iniciando a partir de ese espacio de Taller un camino de construcción   artístico,  humano y profesional. Sin este saber totalizador mi  proceso creativo se hubiera  visto carente de lo que entiendo como imprescindible en la mirada que tengo   del arte y de la vida.
Ya en esta etapa se había despertado en mi un interés particular por las culturas originarias, y realice diversos viajes: a Bolivia y Perú, visitando los principales centros arqueológicos, siendo estos viajes también un estimulo para indagar sobre una concepción plástica que va mas allá de lo imitativo formal, y que ahonda en los contenidos que estas culturas imprimieron a su visión cosmogónica. Esto luego se vio reflejado en mis pinturas.
También en el primer año de cursar la escuela de bellas artes, luego de estudiar el pre renacimiento, renacimiento, las civilizaciones sumerias, griegas, egipcias, micénica, pude realizar con bastante esfuerzo personal  un viaje de estudio  a Europa con la intención de ampliar y profundizar el interés que me despertaron , así es como recorrí Florencia, Roma,  . Atenas,  Creta,  
También España y Francia donde fui a los principales  museos de arte donde se concentran  grandes maestros de todas las épocas, el arte moderno y contemporáneo, y tuve la posibilidad de visitar el taller de los escultores Rodin y Bourdelle en Paris.  Recorrí galerías de arte, vinculándome además con aspectos vivenciales de estos países ampliando mi visión del mundo así como mi formación general. Todas estas vivencias muy enriquecedoras para mi posterior crecimiento.

¿De qué manera continuó su vida como artista luego de  esa formación?

Mi vida como artista es un continuo proceso creador, formativo, de enseñanza y de aprendizaje.  La formación requiere ser nutrida en forma permanente y reflexionada. No solo hay que trabajar en forma constante  para poder decir con profundidad desde el proceso creador, sino que además hay que enriquecerse como individuo y asumir una actitud flexible e indagadora frente al arte y a la vida.  La mirada crítica no proviene solamente del marco teórico, sin praxis no hay fundamento que se sostenga.  Hay que profundizar en el proceso creador y decidir también   en qué lugar de la vida estoy para decir lo que quiero decir. 

 Hace años que trabajo Dentro de la abstracción, Dentro de este modo expresivo.  Esta presente el hombre como símbolo y como esencia, y  como forma primaria. Está presente el hombre en un sentido global de pertenencia a las formas.
Está también  presente el hombre y la naturaleza como principio fundamental para la comprensión  de una organización plástica.
El hombre en el sentido de totalidad, de unicidad, de estructura, de forma como parte de un todo,  es la base  de mis principios expresivos.
Es la misma mirada que puedo tener hacia lo humano en general. Una mirada sensible, que trata de captar, dentro de ese orden totalizador,  la emoción, lo interior, el sentido de pertenencia y de género, la unidad como existencia y presencia de lo universal.

Estoy   dentro de la abstracción,  en   lo que podemos denominar geometría sensible, y en mi formación, hay suma de  aportes  del constructivismo rioplatense, y de la mirada  hacia algunos   movimientos artísticos como el cubismo, expresionismo, la bauhaus, lo primitivo, las culturas aborígenes.
Me interesa el clasicismo como actitud que trata de rescatar lo permanente en el arte, y todos los movimientos que se identifican con esta idea.
Tuve una importante formación plástica en el Taller Sur, de mi maestro Alberto Delmonte, y que se encuadra dentro del constructivismo americanista, con un acercamiento a la escuela rioplatense de Torres García.
  No tengo un modo sistemático de trabajo, pero el taller es una presencia diaria. O bien     dando clases, o preparando material, o pintando, o generando proyectos a partir de los artístico.  Hay momentos de más producción, y diversa;  nunca  trabajo en una sola obra, sino que simultáneamente abordo varias pinturas
 Y hay otros momentos de silencio, pero no de detenimiento del proceso. Siempre se está procesando internamente, para luego darle un significado formal.
Por mi manera de trabajar, donde hay una gran presencia de texturas, transparencias, grafismos, las calidades se van logrando poco a poco, van apareciendo, después de un lento proceso. La gestualidad no es casual sino producto de una  elaboración, y sumatoria  de momentos.  Gestualidad en un marco de organización estructural, la razón, el conocimiento y el oficio  siempre están presentes para ordenar.

¿Cuál es el concepto de arte para usted?

Decía Joaquín Torres García, por citar uno de los referentes que privilegio mi concepción plástica, “la pintura y la escultura no deben ser  solamente plásticos, sino que deben tener un sentido moral profundo y en cierto modo manifestar el sentido filosófico que el artista debe tener del mundo,”…de ahí que creo en abrazar la contemporaneidad para “decir” artísticamente, pero además advirtió, que “ningún arte serio puede estar suspendido en el aire, necesita arraigo, tierra en que afirmarse, con lo cual también adhiero al concepto de que para alcanzar una universalidad hay que rescatar la herencia de la tierra .
La globalización intenta borrar las huellas de la herencia, confundiendo el academicismo con lo heredado, l
El tono, la línea, la estructura, el equilibrio, la armonía, son los pilares en los cuales se sostiene mi obra. “la unidad esta en nosotros mismos, tiene que estar en la base del universo y tendría que estar en la base de nuestras obras….”
  Cuando comienzo a trabajar dentro de la abstracción, primero fue dentro de una geometría más evidente. Actualmente   hay un mayor informalismo o ruptura de la geometría, siempre en un marco de equilibrio estético.

Me interesa el clasicismo como actitud que trata de rescatar lo permanente en el arte, no  y todos los movimientos  de todas las épocas y sistemas  de pensamiento  que se identifican y tratan de captar lo arquetípico, lo que tenemos de común.

¿Qué opina de las diversas expresiones del arte contemporáneo?

 En mi opinión, sustentada por treinta años de trabajo investigador y creador, tanto en lo artístico como en el ámbito docente,  donde pude acércame a múltiples expresiones del arte, puedo sostener que   el arte contemporáneo y la sociedad responden mayoritariamente  a las leyes del  mercado. , del éxito, la globalización y  el consumo.
Se antepone la “originalidad”, a la creación o al proceso creador. Se etiqueta de “rígido” o estructurado cuando hay una construcción arraigada en el conocimiento o el saber a cambio de “flexibilidad” mal entendida como tal. NO puede haber flexibilidad y pensamiento divergente si no hay  `profundización.
 Las manifestaciones creativas  actuales se ven empobrecidas por la misma actitud: falta de compromiso, que se reflejada en propuestas    que Bajo una supuesta “libertad” creativa   activo respuestas de  producciones  sostenida solamente por  su contenido literario. El oficio, el conocimiento, el trabajo, el estudio y el respeto al saber, están fuera de esta actitud contemporánea. En cambio se dio paso   a teorizaciones que desfundamentan  el proceso creador y activan una respuesta  superficial, inmediata y frágil.
  Somos seres individuales pero estamos insertos en la naturaleza, y en el cosmos, y como tal, nuestro paso por el mundo  no es un hecho aislado sin conexión. Así como nuestro organismo  es una delicada organización en  interacción que hace al funcionamiento de un todo, el arte es un proceso integrador que nos vincula desde lo individual y desde lo colectivo. Y nos recuerda como especie humana.

¿Qué técnicas plásticas utiliza mayormente en su taller?

En mis trabajos me valgo de aquellos recursos mínimos.  . El yeso, la arpillera, las texturas, los tonos, están en relación con un todo armónico.  Mi pintura es  de carácter intimista, no necesita demasiado del color.  Mi paleta es sobria,  porque no intento generar contraste .o impacto visual. Prefiero  sugerir más que decir, apunto a una mirada sensible, espiritual y reflexiva. Para el ojo del observador es más  difícil de ver, ya que requiere internarse más profundamente en la imagen., desde un lugar  en el que falta entrenamiento y aprendizaje sensible. Ningún mensaje trascendente es de fácil lectura.
No hay inspiración, sino entrega al trabajo y compenetración con el proceso creativo. La idea de inspiración quita crédito al trabajo y al esfuerzo.
La docencia  ocupa un lugar absolutamente vital ya que compartir saberes enriquece y me enriquece.

¿Se puede vivir del arte?

Es bastante complejo vivir del arte, requiere una energía que poco tiene que ver con la energía creadora.  Pero si se puede vivir  EN  el arte, y esto es una elección para toda la vida y muy satisfactoria.

¿Cómo organiza sus exposiciones?

Una exposición es la oportunidad para ver un conjunto de obras, y para comunicar e interactuar con otros. Requiere también un gran compromiso, y tiempo de maduración de la obra. No se trabaja para la exposición, sino que se muestra el producto de ese trabajo.,  que puede ser fruto de un año, de varios años. En sintonía con el respeto al hacer,  cuido  desde el enmarcado, que tiene que armonizar con la obra, hasta  el montaje. Finalmente la obra devuelve renovada la energía puesta en formas.

 

ENTREVISTA AL ARTISTA PLASTICO GUSTAVO MORINI

Sabemos que actualmente reside en Pinamar pero no es nacido en la zona, ¿De donde es Usted oriundo?

-  Me crié en el barrio de Boedo y después de muy chiquitito me mudé a villa del Parque que está cerca de Villa Devoto y viví hasta los 14 años, de ahí nos mudamos a San Miguel a 30 km de la Capital Federal y viví en San Miguel muchísimos años.

-¿Cuándo comenzó su formación o acercamiento al arte?

- De chico yo tenía facilidad para el dibujo pero en realidad en Villa del Parque fui a una academia a aprender dibujo pero muy poco tiempo. Empiezo de grande a los 40 años por invitación de un amigo ingreso al taller de Alberto Del Monte y ahí empieza el aprendizaje real o mi formación como pintor.

-¿Hay artistas en su familia?

- Músicos, si. Mi tío por parte de mi padre cantaba en el coro del Colon, mi tía era concertista de piano, mi abuelo tenía un conservatorio de música, es decir todo ligado a la música. Yo debo decir que me echaron en todos los colegios de los coros, nunca pude integrar coro de ningún colegio, puedo llegar a silbar algo.

 - Dijo que su formación como artista había comenzado a los 40 años

- Si, entré al taller de Alberto del monte, ahí empezó mi aprendizaje real. Alberto del monte uno de los grandes maestros de la argentina, ya fallecido, que trasmitió todos sus conocimientos con una grandeza y una facilidad increíbles, él no guardó nada de los secretos que normalmente se guardan aquellos que se dicen grandes, un grande de verdad. El estaba conectado con los alumnos de torres García, inclusive yo viajé varias veces con él y otro grupo de amigos entre ellos Alejandro Viladrich y Silvia Goltzman a Montevideo y vimos por ejemplo a muchos de los discípulos como Pairos, Ribeiro, vimos sus talleres, sus trabajos en vivo y en directo. Muy linda experiencia. Con Del Monte hemos viajado nosotros solos también varias veces a Montevideo, muy lindo.

- ¿En qué se inspira cuando va a hacer una obra?

- yo creo que es más el trabajo que la inspiración, yo me pongo a trabajar. Busco modelos, a partir de modelos, es decir, pongo de repente una cafetera, frutas y partir de eso voy haciendo mi trabajo, no lo digo yo esto lo decía Leonardo esto es noventa por ciento trabajo y diez por ciento inspiración. No sé si yo tengo inspiración pero trabajo si tengo.

- ¿Cuál es la paleta de colores que más utiliza o le gusta para realizar sus obras?

- yo soy una persona que tiende al color, meter color saturado. Ya se van a fijar en la mayoría meto color. Empecé con  paletas bajas, haciendo tono local, entonando el cuadro y bueno mi tendencia fue siempre irme siempre hacia el color, o trato de entonarlo con los colores intensos pero siempre con mucho color. Es mi característica, mi forma.

 - ¿Cómo definiría al arte en la actualidad?

- yo creo que el arte es desde siempre. Yo tengo una formación para ser artista. Hoy ves en muchos casos que alguien toma un pincel, hace cuatro líneas, no tiene una formación y es un artista. Yo no digo que no sea  un artista; pero para escribir tenés que aprender primero. Si vos no sabes el ABC, no podes escribir, si no aprendés el lenguaje; sino aprendes música no podes tocar música, salvo excepciones, genios… bueno en la pintura pasa lo mismo, uno tiene que aprender el oficio, el lenguaje. Yo creo que todo parte del trabajo, de las ganas, de la pasión que uno pone en aprender y tratar de conseguir lo mejor posible. Después la sensibilidad de cada uno hace el resto. Algunos son coloristas otros no son coloristas, tienen una línea sensible, es decir, las variantes que vos encuentres en todo artista.

- ss usted tuviese que elegir un arista con el cual se identifica, ¿Cuál sería?

- Yo te puedo decir los artistas que me gustan: Velázquez, Vermeer, Leonardo, más acá en el tiempo, Del Monte, Tiglio, de los actuales me gusta de la sala, Viladrich, Silvia Goltzman, Nigro Adolfo, por supuesto  AugustoTtorres García uno de sus hijos también y no se, qué se yo, hay tantos…

- Y si tuviese que elegir una obra, la que más le guste, Usted va a un museo y se la regalan…

- No sabría, yo me robaría todas

- ¿ Y una en especial?

- Que se yo no, no hay una en especial, porque de repente hay  pintores que son desconocidos entre comillas que no tienen tanta difusión, como los que aparecen en los libros y a lo mejor me llevaría una obra de ese artista, depende, me gusta, me gustaría tener muchas obras: de Vermeer me gustaría tener dos o tres, la que la llaman la Venus del Norte, La encajera, de Velázquez las meninas, de Caravaggio hay una cesta con frutos que es una maravilla, esa me gustaría tenerla.

 - ¿Considera Usted que se puede vivir del arte?

- Mira yo hasta hace dos años atrás vivía en Buenos Aires, trabajaba en una empresa y pintaba después que salía de la empresa, yo era gerente de un laboratorio, pintaba desde las diez de la noche a dos o tres de la mañana, eso durante muchísimos años. He vendido cuadros, cuando expuse en Expo Trastienda, tengo 5 o 6 años seguidos exponiendo con el Taller Sur y ahí vendí cuadros a gente del exterior, acá en Argentina he vendido también pero no puedo decir que vivo del arte, para nada. Puedo decir que vendí algunos cuadros, nada más. Ahora estoy tratando de pintar mucho y ver qué pasa con esto pero de todos modos el placer de pintar no me lo quita nadie. Esto es lo más lindo y además lo que aprendí en el Taller Sur. Del monte era el titular del Taller Sur donde se formaron una cantidad de artistas muy importantes y muy grandes; y una de las cosas que nosotros aprendimos es entender que esto era un trabajo individual pero que en lo colectivo, juntándonos íbamos  a poder aprender mejor y poder además ser solidarios entre nosotros y ser mejores personas sobre todo. Esto es una de las cosas más importantes que aprendimos en el taller, que yo aprendí por lo menos.

- Es muy importante …

- Yo diría que es fundamental. Es muy egoísta el tema de pintar, muy de uno, es decir , yo me pongo a pintar y pinto y pinto y realmente si viene alguien a pintar conmigo está conmigo compartimos el lugar pero cada uno está haciendo  lo suyo, podemos compartir ideas pero esto es algo muy personal, muy para adentro y cuando sucede una cosa así hay mucha gente que se transforma en egoísta, entra en competencia con el otro y yo creo que no hay que entrar en competencia sino tratar de aprender del otro y ayudarnos entre nosotros y de ser un poquito más solidarios, y no es que sea el otro mejor que yo o yo mejor que el otro, cada uno tiene su forma, su estilo, él podrá ser mejor pero bueno, viste, yo creo que no pasa por ahí, pasa por ser consciente que vivimos en una sociedad en la cual tenemos que aprender que no estamos solos exactamente, que dependemos unos de otros, que en cuanto creemos que nosotros podemos todo por nosotros mismos nos estamos equivocando, perdemos la perspectiva de la humanidad. ¡Mira lo que digo!.

- Es muy interesante lo que acaba de decirnos, es una postura frente a la vida …

- Yo les agradezco, yo creo en eso, yo creo que todos estamos haciendo algo por nosotros y tenemos que hacer algo también por los demás, no sé, lo que se pueda.-

- Queremos agradecerle que nos haya prestado su atención y que nos haya invitado a la inauguración de esta hermosa muestra.-