entrevista a la Artista Plastica Silvia Goltzman

ENTREVISTA A SILVIA GOLTZMAN POR LAS ALUMNAS: Maria Alcuaz y Monica Mariani

¿Cómo se inició en el arte?

A veces es difícil precisar cuando un proceso de afición, se traduce en profesión.
Al principio, como todas las actividades expresivas en su inicio, en la infancia, estas inclinaciones,  son un juego, son parte de un proceso madurativo de desarrollo humano, a la vez que  un canal de expresión. 
 En la medida que vamos creciendo  y seguimos siendo estimulados en este sentido, podemos tener la capacidad de definirlo como vocación, si se convierten en el mejor modo de decir algo del mundo que nos rodea. Siempre es una elección que luego se va edificando y construyendo a partir de un estimulo primario como casi todas las vocaciones y oficios.
En esa etapa  primaria  tuve una  inclinación marcada hacia lo artístico en todos los órdenes: la música, el canto, la pintura, manifestaciones que desarrolle durante toda mi infancia, de forma natural,  hasta  finalmente de adolescente  abordar la pintura con más profundidad. Desde ese momento   me dedique al estudio y formación que requiere esta disciplina, en forma ininterrumpida desde el momento que la elegí como modo de vida, y como profesión.
No hay un porqué único.  En general son múltiples factores y  hay procesos de crecimiento y de emotividad y sensibilidad  que te llevan a sentir que ese es el camino donde uno puede sentirse  cómodo transitando por la vida.

¿Cuál fue  su formación académica?

Estudie en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredon, en la capital,  durante cinco años, recibiendo el titulo de Profesora Nacional de dibujo y pintura...  Paralelamente, durante los dos últimos años de mi carrera, y a partir del interés que me produjo el observar dentro de la escuela un grupo de compañeros que se destacaban por su conocimiento del oficio., su modo de expresión y su compromiso plástico, es que me acerqué al Taller Sur, del maestro Alberto Delmonte, iniciando a partir de ese espacio de Taller un camino de construcción   artístico,  humano y profesional. Sin este saber totalizador mi  proceso creativo se hubiera  visto carente de lo que entiendo como imprescindible en la mirada que tengo   del arte y de la vida.
Ya en esta etapa se había despertado en mi un interés particular por las culturas originarias, y realice diversos viajes: a Bolivia y Perú, visitando los principales centros arqueológicos, siendo estos viajes también un estimulo para indagar sobre una concepción plástica que va mas allá de lo imitativo formal, y que ahonda en los contenidos que estas culturas imprimieron a su visión cosmogónica. Esto luego se vio reflejado en mis pinturas.
También en el primer año de cursar la escuela de bellas artes, luego de estudiar el pre renacimiento, renacimiento, las civilizaciones sumerias, griegas, egipcias, micénica, pude realizar con bastante esfuerzo personal  un viaje de estudio  a Europa con la intención de ampliar y profundizar el interés que me despertaron , así es como recorrí Florencia, Roma,  . Atenas,  Creta,  
También España y Francia donde fui a los principales  museos de arte donde se concentran  grandes maestros de todas las épocas, el arte moderno y contemporáneo, y tuve la posibilidad de visitar el taller de los escultores Rodin y Bourdelle en Paris.  Recorrí galerías de arte, vinculándome además con aspectos vivenciales de estos países ampliando mi visión del mundo así como mi formación general. Todas estas vivencias muy enriquecedoras para mi posterior crecimiento.

¿De qué manera continuó su vida como artista luego de  esa formación?

Mi vida como artista es un continuo proceso creador, formativo, de enseñanza y de aprendizaje.  La formación requiere ser nutrida en forma permanente y reflexionada. No solo hay que trabajar en forma constante  para poder decir con profundidad desde el proceso creador, sino que además hay que enriquecerse como individuo y asumir una actitud flexible e indagadora frente al arte y a la vida.  La mirada crítica no proviene solamente del marco teórico, sin praxis no hay fundamento que se sostenga.  Hay que profundizar en el proceso creador y decidir también   en qué lugar de la vida estoy para decir lo que quiero decir. 

 Hace años que trabajo Dentro de la abstracción, Dentro de este modo expresivo.  Esta presente el hombre como símbolo y como esencia, y  como forma primaria. Está presente el hombre en un sentido global de pertenencia a las formas.
Está también  presente el hombre y la naturaleza como principio fundamental para la comprensión  de una organización plástica.
El hombre en el sentido de totalidad, de unicidad, de estructura, de forma como parte de un todo,  es la base  de mis principios expresivos.
Es la misma mirada que puedo tener hacia lo humano en general. Una mirada sensible, que trata de captar, dentro de ese orden totalizador,  la emoción, lo interior, el sentido de pertenencia y de género, la unidad como existencia y presencia de lo universal.

Estoy   dentro de la abstracción,  en   lo que podemos denominar geometría sensible, y en mi formación, hay suma de  aportes  del constructivismo rioplatense, y de la mirada  hacia algunos   movimientos artísticos como el cubismo, expresionismo, la bauhaus, lo primitivo, las culturas aborígenes.
Me interesa el clasicismo como actitud que trata de rescatar lo permanente en el arte, y todos los movimientos que se identifican con esta idea.
Tuve una importante formación plástica en el Taller Sur, de mi maestro Alberto Delmonte, y que se encuadra dentro del constructivismo americanista, con un acercamiento a la escuela rioplatense de Torres García.
  No tengo un modo sistemático de trabajo, pero el taller es una presencia diaria. O bien     dando clases, o preparando material, o pintando, o generando proyectos a partir de los artístico.  Hay momentos de más producción, y diversa;  nunca  trabajo en una sola obra, sino que simultáneamente abordo varias pinturas
 Y hay otros momentos de silencio, pero no de detenimiento del proceso. Siempre se está procesando internamente, para luego darle un significado formal.
Por mi manera de trabajar, donde hay una gran presencia de texturas, transparencias, grafismos, las calidades se van logrando poco a poco, van apareciendo, después de un lento proceso. La gestualidad no es casual sino producto de una  elaboración, y sumatoria  de momentos.  Gestualidad en un marco de organización estructural, la razón, el conocimiento y el oficio  siempre están presentes para ordenar.

¿Cuál es el concepto de arte para usted?

Decía Joaquín Torres García, por citar uno de los referentes que privilegio mi concepción plástica, “la pintura y la escultura no deben ser  solamente plásticos, sino que deben tener un sentido moral profundo y en cierto modo manifestar el sentido filosófico que el artista debe tener del mundo,”…de ahí que creo en abrazar la contemporaneidad para “decir” artísticamente, pero además advirtió, que “ningún arte serio puede estar suspendido en el aire, necesita arraigo, tierra en que afirmarse, con lo cual también adhiero al concepto de que para alcanzar una universalidad hay que rescatar la herencia de la tierra .
La globalización intenta borrar las huellas de la herencia, confundiendo el academicismo con lo heredado, l
El tono, la línea, la estructura, el equilibrio, la armonía, son los pilares en los cuales se sostiene mi obra. “la unidad esta en nosotros mismos, tiene que estar en la base del universo y tendría que estar en la base de nuestras obras….”
  Cuando comienzo a trabajar dentro de la abstracción, primero fue dentro de una geometría más evidente. Actualmente   hay un mayor informalismo o ruptura de la geometría, siempre en un marco de equilibrio estético.

Me interesa el clasicismo como actitud que trata de rescatar lo permanente en el arte, no  y todos los movimientos  de todas las épocas y sistemas  de pensamiento  que se identifican y tratan de captar lo arquetípico, lo que tenemos de común.

¿Qué opina de las diversas expresiones del arte contemporáneo?

 En mi opinión, sustentada por treinta años de trabajo investigador y creador, tanto en lo artístico como en el ámbito docente,  donde pude acércame a múltiples expresiones del arte, puedo sostener que   el arte contemporáneo y la sociedad responden mayoritariamente  a las leyes del  mercado. , del éxito, la globalización y  el consumo.
Se antepone la “originalidad”, a la creación o al proceso creador. Se etiqueta de “rígido” o estructurado cuando hay una construcción arraigada en el conocimiento o el saber a cambio de “flexibilidad” mal entendida como tal. NO puede haber flexibilidad y pensamiento divergente si no hay  `profundización.
 Las manifestaciones creativas  actuales se ven empobrecidas por la misma actitud: falta de compromiso, que se reflejada en propuestas    que Bajo una supuesta “libertad” creativa   activo respuestas de  producciones  sostenida solamente por  su contenido literario. El oficio, el conocimiento, el trabajo, el estudio y el respeto al saber, están fuera de esta actitud contemporánea. En cambio se dio paso   a teorizaciones que desfundamentan  el proceso creador y activan una respuesta  superficial, inmediata y frágil.
  Somos seres individuales pero estamos insertos en la naturaleza, y en el cosmos, y como tal, nuestro paso por el mundo  no es un hecho aislado sin conexión. Así como nuestro organismo  es una delicada organización en  interacción que hace al funcionamiento de un todo, el arte es un proceso integrador que nos vincula desde lo individual y desde lo colectivo. Y nos recuerda como especie humana.

¿Qué técnicas plásticas utiliza mayormente en su taller?

En mis trabajos me valgo de aquellos recursos mínimos.  . El yeso, la arpillera, las texturas, los tonos, están en relación con un todo armónico.  Mi pintura es  de carácter intimista, no necesita demasiado del color.  Mi paleta es sobria,  porque no intento generar contraste .o impacto visual. Prefiero  sugerir más que decir, apunto a una mirada sensible, espiritual y reflexiva. Para el ojo del observador es más  difícil de ver, ya que requiere internarse más profundamente en la imagen., desde un lugar  en el que falta entrenamiento y aprendizaje sensible. Ningún mensaje trascendente es de fácil lectura.
No hay inspiración, sino entrega al trabajo y compenetración con el proceso creativo. La idea de inspiración quita crédito al trabajo y al esfuerzo.
La docencia  ocupa un lugar absolutamente vital ya que compartir saberes enriquece y me enriquece.

¿Se puede vivir del arte?

Es bastante complejo vivir del arte, requiere una energía que poco tiene que ver con la energía creadora.  Pero si se puede vivir  EN  el arte, y esto es una elección para toda la vida y muy satisfactoria.

¿Cómo organiza sus exposiciones?

Una exposición es la oportunidad para ver un conjunto de obras, y para comunicar e interactuar con otros. Requiere también un gran compromiso, y tiempo de maduración de la obra. No se trabaja para la exposición, sino que se muestra el producto de ese trabajo.,  que puede ser fruto de un año, de varios años. En sintonía con el respeto al hacer,  cuido  desde el enmarcado, que tiene que armonizar con la obra, hasta  el montaje. Finalmente la obra devuelve renovada la energía puesta en formas.